Xavier Vilató comisario de la exposición e hijo de Javier Vilató nos explica el cómo y el porqué de esta exposición:

“Estoy muy orgulloso que con toda la gente que ha estado involucrada en el proyecto consigamos que Vilató vuelva a Barcelona y que esta exposición suceda. […] Si no hablo catalán es porque justamente ha habido este camino de libertad que ha hecho que yo no nazca aquí sino que nazca en la distancia. Y esto es fundamental para entender todo lo que estamos haciendo y construyendo hoy.

Hace 117 años llegaban a Barcelona mi bisabuelo con su hijo Pablo, que tenía 14 años, y mi abuela, que debía tener 10 años. En estos 117 años han pasado muchas cosas y entre otras ha pasado este museo. […] Para mí es muy importante destacar que muchas de las obras en este museo han sido el libro de imágenes de mi padre de pequeño. Todas la tablitas que ahora están expuestas y otras obras estaban guardadas en un baúl no muy grande en casa de mi abuela, con el que mi padre jugaba, y esto ha sido lo que él de muy pequeño ha vivido, ha mamado, se ha construido a través de estas imágenes que tenía en la pared, que tenía en frente de él.

Vilató, mi padre, ha construido una obra que ha sido totalmente hecha en un rincón, sin molestar a los otros, con la única intención de estar cada día en el taller y cada día ir construyendo una obra que fuese la continuación de todo lo que le habían dado. Ha tenido la gran suerte de poder tener, con su tío, una transmisión como se hace en las familias de circo: como te enseñan el trapecio o como te enseñan a darle de comer a los elefantes. […] Y hoy es para mí un gran orgullo que esto sea entendido por los barceloneses.

Creo que es fantástico añadir cosas a esta ciudad que siempre las ha tenido y que siempre ha estado cogiendo gente de fuera. Pero en este caso no es gente de fuera, esto es gente de dentro que vuelve y creo que eso es fundamental porque toda la historia de Catalunya está construida en este sentido.

Javier Vilató en su estudio del Boulevard Raspail – París, 1989 – Foto: Marianne Torstenson

Artísticamente, Vilató es realmente hijo del cubismo. Y ha construido una obra que es, no diría anti-moda, pero que ha seguido verdaderamente una línea muy especial y muy suya; está totalmente involucrado en su época, pero al mismo tiempo construye una obra que sólo se parece a sí mismo. [..] Ser un pintor es ser un pintor siempre, siempre, siempre, no sólo en el momento que estás en el taller pintando, sino que esta generación eran pintores cuando dormían, cuando comían, cuando amaban, es decir, en todo momento el pintor es alguien que vive su pintura y esta visión poética del mundo y que de vez en cuando están en un taller sacando todo esto.

El título de la exposición surgió a partir de la idea de hacer exposiciones en varias sedes y para reunir estas sedes nos pareció que la idea de un camino era la más adecuada. Además está el símbolo de camino de libertad, un principio que [Vilató] ha seguido toda su vida y que simboliza también el trabajo de un artista, que es seguir este camino hacia la libertad. En el caso de su generación no sólo fue un decir poético sino que además fue una realidad de este país en el momento muy fuerte y había que coger el camino de la libertad para encontrarla. Y como hay esta idea de retorno, de “tornar a casa” nos ha parecido muy adecuado.

En las cinco sedes vais a descubrir la obra de Javier Vilató, que es vuestro, que es vuestro Vilató. A Vilató se le ha descubierto y vuelto a descubrir cada cinco años, pero esta vez creo que habrá un antes y un después. Esta vez creo que quedará establecido que Vilató es uno de los grandes pintores catalanes con influencias andaluzas y con una proyección parisina.”

Los objetivos de este estudio se estructuran en los siguientes apartados:

• La medición de la calidad, diferenciando entre sus expectativas previas a la visita y la calidad percibida posteriormente a la visita.
• El perfil de los visitantes, para ver cómo son las personas que visitan el museo (género, edad, nacionalidad, residencia, estudios y actividad laboral).
• Los hábitos de la visita, indagando sobre la frecuencia de visita, los motivos, el tiempo de estancia y la composición del grupo de visita.

Visitantes en las salas del museo

Respecto a la medición de la calidad, los visitantes encuestados en la entrada del museo tienen unas buenas expectativas hacia su visita, que se traduce en una valoración de 8,5 puntos (valoración antes de entrar), y que da idea del nivel de conocimiento previo de los visitantes a través de la información acumulada por diferentes vías, experiencias similares, etc. El hecho de que posteriormente a la visita la valoración global del museo sea ligeramente inferior a las expectativas (8,4 puntos de media) se traduce en una satisfacción del 97%.

Para conocer las valoraciones relativas a la calidad, en la encuesta se pregunta por aspectos relacionados con el entorno del museo (la señalización externa, la señalización interna, la movilidad dentro del centro, el mantenimiento y la limpieza, el edificio, etc.), el servicio (el horario, la relación calidad-precio, los descuentos, la exposición temporal y la colección) y, por último sobre la información (las obras, la exposición, la atención e información proporcionada por el personal y las visitas comentadas).

En cuanto al perfil de los visitantes, a las personas encuestadas se les pregunta por los visitantes que los acompañan, lo que nos permite hacer un análisis de los diferentes grupos de visita que van al museo.

Entre los visitantes encontramos proporcionalmente más mujeres y el grupo de edad que más predomina es el de 25 a 34 años (26,1%) seguidos de los grupos de 35 a 44 años (19,4%), 16 a 24 años (17,4%), 45 a 54 años (16,9%) y 55 a 64 (10,8%).

Franjas de edad

Globalmente el museo tiene un público mayoritariamente extranjero y residente en algún país de la Unión Europea (52,8%). El país de donde vienen más visitantes es Estados Unidos, seguido de Francia, Italia, Gran Bretaña, Alemania y Canadá. Hay que tener en cuenta que este estudio contempla sólo público individual y no incluye visitas guiadas, visitas educativas ni asistentes a las actividades del museo, que son un público mayoritariamente local.

Otra característica del perfil del público del museo es su nivel de formación. El 79,1% del total de encuestados tienen estudios universitarios.

Los motivos de visita están relacionados con el contenido temático. Así el 97% de los encuestados van a visitar la colección y un 13,1% van a visitar la exposición temporal. Otros motivos que argumentan han sido: la curiosidad o interés personal por el artista, por el edificio y el museo en general, para acompañar a alguien o para alguna actividad (conferencia, taller, ciclo, etc.).

Al margen del motivo por el cual se visita el museo, el tiempo medio dedicado a visitarlo se sitúa en una hora y cuarenta minutos. Un 76,4% de los visitantes encuestados dedican entre una y tres horas, y un 18,5% dedican una hora o menos a visitar el museo.

Deirdre Haughey
Gestión de Públicos

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¿Cómo se manejan más de 900.000 visitantes al año? La gestión de públicos en el Museu Picasso

A continuación os ofrecemos un resumen de los contenidos más relevantes de las terceras sesiones de esto laboratorios:

Ley del Arte ante Ley del Mecenazgo y otros reglamentos
Isidoro Valcárcel ha hecho un repaso a algunos de los artículos más destacados de la Ley del Arte y de la Ley del Mecenazgo para poner de manifiesto la dificultad de legislar sobre aspectos económicos en el ámbito artístico y hacer ostensibles los vacíos legales que se presentan. Cabría preguntarse, asimismo, la utilidad de la ley del patrimonio y la de la propiedad intelectual. Los factores económicos son abordados desde la perspectiva de la rentabilidad y de la productividad, pero nunca desde la de la racionalidad en el gasto y en la explotación.

Isidro Valcárcel Medina

Un cuadro realista de nuestra situación: precio simbólico cero
Isaías Griñolo nos ha presentado en el documental “Un cuadro realista de nuestra situación: precio simbólico cero” las trágicas consecuencias medioambientales causadas por las actuaciones del conjunto empresarial Grupo Villar Mir. Con este documental Griñolo ha querido mostrar, en un montaje cinematográfico centrado en el caso del Grupo Villar Mir, los dramas medioambientales causados durante décadas por la industria sin castigo alguno. Un ejemplo de economía destructiva que queda impune.

Isaías Griñolo

Condiciones de existencia
A partir de un recorrido histórico marcado por una teoría de las transformaciones económicas, Juan Luis Moraza nos ha mostrado el camino que ha seguido el valor del arte desde la antigüedad hasta el momento actual, centrándose en el análisis de la situación económica que vive el mundo artístico en el presente. En la mayoría de los casos el arte es un negocio insostenible. Alrededor del 85% de la creación artística forma parte de una economía no monetaria, de una economía cualitativa o imaginaria, así como de una economía del don, de la gracia y gratuidad del arte, puesto que el trabajo del artista es de profunda generosidad, tanto en el sentido de generador como en el sentido de que se venden obras por un valor que no tienen.

Juan Luis Moraza

Concierto económico
A través de una performance que reúne música y texto, Oier Etxeberria ha creado un concierto económico en el que se establece una relación entre la economía, la melodía y la palabra. Así, mediante una serie de frases independientes, pero encadenadas las unas con las otras, Etxeberria establece una relación entre economía y música, arte y cultura, sirviéndose de la ambivalencia de juegos de palabras tales como “dar crédito”, “hablar en plata”, “los números cantan”, “canta-habilidad y contabilidad”.

Dinero, collages y esposas en la reproducción feminista
Patricia Molins, Inmaculada Salinas y Carme Nogueira (representada por Molins dado que Nogueira se encontraba ausente debido a un retraso en su vuelo) nos han presentado a través de sus investigaciones y de sus obras la imagen de la mujer y de lo femenino. Molins hizo una presentación sobre la visión del arte de la mujer y de la artesanía, asuntos que quedan al margen de la historia canónica. Inmaculada Salinas presentó su trabajo centrado en lo que históricamente se ha denominado “lo femenino”, la voz, y cómo esto se refleja en los sistemas de representación y en la pintura. Molins nos presentó el proyecto de Carme Nogueira sobre los procesos de subjetivización y la función normalizadora de los espacios a través de la fotografía y la instalación.

Patricia Molins i Inmaculada Salinas

El detective
Miguel Benlloch nos presentó en una mezcla entre performance y lectura poética de búsqueda autobiográfica sus experiencias vitales sobre el descubrimiento del universo homosexual y la reconstrucción del concepto del cuerpo gay a lo largo del siglo pasado. Benlloch nos hizo un recorrido sobre las vivencias que lo transformaron: desde que vio por primera vez con 14 años la película de El Detective donde simpatiza con dos personajes travestis hasta las distintas teorías sexuales que se desarrollan a lo largo del siglo XX.

Picasso en el agujero
Manuel Delgado ha tratado el caso del Forat de la Vergonya, un ejemplo de proceso de especulación urbanística y gentrificación del barrio barcelonés del Borne, detenido por una ejemplar lucha vecinal. El espacio, planteado inicialmente como zona verde, fue recalificado para una futura construcción de plazas de parking privado cercano al Museu Picasso. En este caso es importante comprobar el papel del arte y de la cultura como legitimación de ciertas transformaciones urbanísticas. Finalmente, después de una larga batalla, el Forat de la Vergonya se ha convertido en una plaza presidida por una pequeña fuente que lleva el dibujo del simbólico árbol donde todo empezó. Un claro ejemplo de cómo la lucha vecinal colectiva venció a los intereses privados, políticos y económicos.

Isabel Moreno
En prácticas del máster de Gestión del Patrimonio Cultural en la Universitat de Barcelona

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Archivo F.X.: De economía cero: Intercambios: Terceras sesiones
Laboratorio Intercambios
Aproximaciones al laboratorio Intercambios
Aproximaciones al laboratorio Intercambios – II

Guernica. Pablo Picasso, 1937. Óleo sobre lienzo

Aunque en guerras anteriores ya habían aparecido los bombardeos aéreos, fue durante la Guerra Civil española cuando se atacó, de forma intensiva y continuada, a la población civil. Primero en Euskadi y luego por todo el territorio español, el ejército español y sus aliados italianos y alemanes bombardearon sistemáticamente la retaguardia y poblaciones sin sistemas de defensa. Esta aberrante estrategia continuó durante la Segunda Guerra Mundial y culminó con el lanzamiento de la bomba atómica sobre Hiroshima y Nagasaki. A partir de entonces los bombardeos sobre la población civil se convierten en una práctica habitual en todo conflicto bélico.

Para conmemorar el 75 aniversario de de estos horripilantes sucesos, el Memorial Democràtic de la Generalitat de Catalunya ha organizado la exposición “Catalunya bombardejada” en el castillo de Montjuïc y una serie de conferencias y mesas redondas en las que se estudian las consecuencias de los demoledores ataques y la resistencia de los ciudadanos.

El Servicio Pedagógico del Memorial Democràtic solicitó la colaboración del museo para explicar a los estudiantes de 3º y 4º de ESO el impacto que tuvo el bombardeo de la ciudad vasca, Gernika, en los intelectuales y artistas europeos y, especialmente en Picasso.

Vista aérea del castillo de Montjuïc

Aceptamos el ofrecimiento con mucha ilusión y el 26 de abril, día del bombardeo de Gernika en 1937, intentamos explicar a los estudiantes la posición de Pablo Picasso ante la Guerra Civil española y cómo surgió el Guernica, cuadro que iba a convertirse en un símbolo por la paz. Picasso, que había recibido en enero el encargo del gobierno de la República de hacer un panel para exhibirse en el pabellón español en la Exposición Internacional de París de 1937, tardó varios meses en elegir el motivo y no empezó a trabajar en él hasta el primero de mayo, un día después que la prensa francesa publicara las fotos de la ciudad en ruinas. Creímos interesante acompañar la explicación con una serie de imágenes de la villa bombardeada alternándolas con el proceso creativo del artista. Nuestra principal intención fue explicar a los escolares de qué manera se inserta en la Historia y de cómo cualquier actividad artística puede convertirse en un testimonio del pasado a la vez que un instrumento de lucha contra la injusticia.

Acabada la disertación, animamos a nuestros jóvenes oyentes a que expresaran qué sentimientos provocaba en ellos la contemplación del mural picassiano. Tras unos minutos de silencio, algunas muchachas se atrevieron a exponer sus impresiones y a analizar la pintura. Para ellas (ya que ningún chico se pronunció) el cuadro es impactante y representa el sufrimiento, la impotencia y la desesperación; es una instantánea de la locura e incomprensión justo después del bombardeo. Las tonalidades grises simbolizan el fin de la esperanza y el inicio de la oscuridad, tanto en el exterior, como en el interior de las personas. Otras se fijaron más en los aspectos formales y en el sistema de trabajo. Les llamó la atención la superposición de planos y el expresionismo de las figuras; encontraron la influencia de los papeles de periódico en la carnalidad del caballo y analizaron cómo el sol que aparece en la primera versión va estilizándose hasta convertirse en la bombilla que ilumina la escena.

Con sus intervenciones, las jóvenes estudiantes confirmaron que el Guernica de Picasso sigue siendo un emblema contra el horror de la guerra. El diálogo con las escolares y sus profesoras resultó una experiencia enriquecedora y muy gratificante. Agradecemos al Memorial Democràtic el haber incluido al Museu Picasso en las actividades conmemorativas de uno de los períodos más trágicos de nuestra historia.

Malén Gual
Conservadora de la colección

Apertura del seminario. ICA Málaga / Foto: Spiral, Agencia Fotográfica

La organización general estuvo a cargo de Marisa Moreno, diputada del Colegio de Málaga, y la coordinación científica de Carlos F. López Abadín y amplió en gran medida su representación internacional con la presencia no sólo de miembros de las juntas de los colegios de Barcelona y París, sino también de los de Berlín y Padua, así como profesionales de EEUU, Japón y Luxemburgo.

Mesa redonda dedicada a los museos | Lluís Bagunyà en su intervención. ICA Málaga / Fotos: Spiral, Agencia Fotográfica

En esta ocasión, el lema escogido fue “Derecho, nuevas tecnologías y arte”. Las nuevas tecnologías están proponiendo nuevos retos en todos los ámbitos de la intersección arte/derecho, que presentan situaciones nunca previstas hasta hoy y que en algunos casos pronto serán fuente de conflictos de intereses (si no lo son ya):

• Ejemplo 1: Las subastas en línea, más allá de casas tradicionales con una sede claramente definida, están ofreciendo obras de arte sin la posibilidad de comprobación visual previa por parte de los licitadores. Y así, está aflorando la contradicción que las plataformas de subastas en línea generales, que incluyen objetos de arte, están siendo regidas por las leyes de consumo, con el derecho de devolución por insatisfacción que ello conlleva. El concepto mismo de subasta se pone en cuestión.
• Ejemplo 2: La definición misma de obra en el marco de la legislación sobre propiedad intelectual no es adecuada ya para el arte fractal (siempre en movimiento en internet), el arte robótico (máquinas-esculturas), el arte genético o transgénico, etc.
• Ejemplo 3: La piratería internacional de videojuegos, desde la protección máxima en Japón, donde son tratados como películas, a los problemas incluso de definirlos como obras colectivas en la legislación francesa.

Carlos F. López Abadín en la sesión sobre Propiedad intelectual y nuevas tecnologías. ICA Málaga / Foto: Spiral, Agencia Fotográfica

Hubo también una mesa redonda en torno a los cambios que las nuevas tecnologías están suponiendo para los museos, donde participaron el director del Museo Picasso Málaga, Pepe Lebrero, la directora de la Fundación Carmen Thyssen, Lourdes Moreno, y Lluís Bagunyà, por parte de nuestro museo. Las nuevas tecnologías facilitan enormemente la gestión de los museos, pero también exigen un mayor rigor en los terrenos de la propiedad intelectual, el derecho al honor y la contratación.

Sin embargo, también hubo ponencias no directamente relacionadas con las nuevas tecnologías, como fueron las relativas a la actualidad en el terreno del derecho de participación del artista o sus herederos en las sucesivas ventas de su obra, o el tratamiento de la arquitectura como obra de arte a la luz de la legislación sobre propiedad intelectual y del registro de marcas.

Lluís Bagunyà
Relaciones internacionales

Imágenes: ICA Málaga/Foto: Spiral. Agencia Fotográfica

Como en cada edición os proponemos una serie de obras de Picasso en las que inspiraros para realizar una narración breve de 1.500 caracteres. Las obras propuestas este año son: El retrato de la tía Pepa, 1896; Barraca de feria, 1900; Blanquita Suárez, 1917 y Las Meninas (Infanta Margarita María), 1957.

El retrato de la tía Pepa, 1896 | Las Meninas (Infanta Margarita María), 1957 | Blanquita Suárez, 1917 | Barraca de feria, 1900 | © de las reproducciones: Sucesión Picasso. VEGAP. Barcelona 2012

A partir de la obra que elijáis, debéis relatar una historia inspirada en la pieza seleccionada. Piensad, imaginad, recread: podéis tirar de cualquier hilo narrativo que la obra os sugiera. ¡Tenéis hasta el 25 de mayo para enviarnos vuestros relatos!

¡Feliz día de Sant Jordi!

Redacción del museo

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Bases del concurso 2012

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• Las obras de Picasso narradas por …

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• ¿Queréis leer los relatos ganadores inspirados en obras de Picasso?
• Las historias de Picasso

De esta manera los participantes han recordado la mítica representación de la obra en el Liceu de 1977 y han dado información sobre la fascinación, tanto de Picasso como sobretodo de Miró, por la figura patafísica por excelencia que en nuestro país fue entendida como símbolo del dictador Francisco Franco.

Alfred Jarry. El verdadero retrato de Ubú Rey. 1896. Xilografía (Prueba XIV / XX). Bibliothèque Nationale de France

La sed de poder, el egocentrismo excéntrico, las implicaciones políticas y sociales del personaje de Ubú Rey han confirmado la actualidad del teatro de Jarry y su capacidad de animar una conversación en múltiples escenarios: desde el análisis de la fusión entre arte y vida, escenario y platea (por la identificación obsesiva de Jarry con su Ubú, su criatura), hasta la relación entre artes – literatura, teatro y pintura en Picasso y Miró – pasando por la reflexión sobre categorías estéticas como lo humorístico, lo cómico, lo grotesco – lo “ubuesco”, según la definición de Michel Foucault. Por que, finalmente, Ubú es cada uno de nosotros y Polonia, que en la obra de Jarry es “ninguna parte”, es en realidad cualquier lugar, este mismo espacio de reflexión.

Para la última sesión de esta temporada, hablaremos sobre “Homenatge a Picasso” de Josep Palau i Fabre, que conducirá Jordi Coca. Fijaos en la implicación biográfica del autor con el pintor. Continuamos leyendo.

Jorge Carrión y Marilena de Chiara
www.jorgecarrion.com

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De la caricatura del “sueño y mentira” de Picasso a la de “las coplas” de Toño Salazar

A través de un conjunto de acciones, espectáculos, performances y debates con creadores, en ediciones anteriores BarriBrossa ha revisado y actualizado la obra de movimientos como el Oulipo, o de creadores como el compositor Josep Maria Mestres Quadreny, el dramaturgo Valère Novarina y el escritor Palau i Fabre, entre otros.

En esta edición, el movimiento Dau al Set es el protagonista y, como ha indicado Glòria Bordons, coordinadora de contenidos, la programación de este año es una apuesta por directores jóvenes que se han enfrentado al reto de “llevar a escena palabras difícilmente teatralizables”.

La rueda de prensa también ha contado con la presencia de Mercè Homs, regidora del distrito de Ciutat Vella; Norbert Tomàs, director del CoNCA; Oriol Izquierdo, director de la Institució de les Lletres Catalanes, y una servidora, en representación del Museu Picasso, así como Josep Maria Mestres Quadreny, en calidad de presidente de la Fundació Joan Brossa.

Mestres Quadreny, amigo personal de los componentes de Dau al Set, y muy especialmente de Joan Brossa, ha recordado las emociones que sintió en aquella exposición en la Barcelona de 1951 donde conoció el trabajo de Dau al Set; cómo le sorprendió “inmensamente” aquella obra en una ciudad donde las expresiones artísticas estaban muy condicionadas y reprimidas por la situación política, y cómo entabló conversación con un hombre que resultó ser Joan Ponç, a través del cual conoció a Joan Brossa, que “se pasó toda la tarde leyéndome poemas y salí de allí completamente agotado, pero plenamente convencido de que si no los había entendido era culpa mía”.

Revista DAU AL SET, octubre 1951

Desde el Museu Picasso nos alegramos de volver a formar parte de esta propuesta, no solo como vecinos, sino también porque entendemos que estas revisiones de movimientos culturales del siglo XX tienen, directa o indirectamente, una relación con el trabajo picassiano. Los próximos días 21 y 22 de abril acogeremos una mesa redonda sobre el universo brossiano y presentaremos la obra Dau al 7, de Nozomi 700 Teatre, un tributo a los artistas del grupo, especialmente Brossa, Tàpies y Ponç.

¡Esperamos que podáis asistir!

Anna Guarro
Programas Públicos

A continuación os hacemos llegar un resumen de las segundas sesiones, destacando los inputs más relevantes de estos debates, charlas y actos performativos que aportan una diversidad de lecturas y visiones sobre las relaciones entre arte, trabajo, objeto y economía, y que se incorporarán en el discurso del proyecto “Archivo FX: de Economía cero”, en el marco del cual también presentaremos la exposición “Economía: Picasso”.

Richard Hamilton – Just what it that made yesterday’s homes so different, so appealing?- 1992 – Impresión láser a color – 26 x 25,1 cm – Metropolitan Museum, New York – © Richard Hamilton, VEGAP, Barcelona 2011

El productor como productor

Joaquín Vázquez, miembro de BNV producciones, ha expuesto la andadura de más de veinte años de este dispositivo de producción e intermediación cultural, creado para accionar el pensamiento crítico y generar nuevos modos de hacer en el tejido creativo.

A diferencia de lo que ocurre en otras disciplinas artísticas, la figura del productor no es reconocida en el mundo del arte, ni en la época de la reproducción técnica, a pesar de que la obra de la mayoría de los artistas contemporáneos exige de sistemas de producción en los que intervienen multitud de oficios.

A día de hoy no se han democratizado los procesos de producción, distribución y exhibición porque ni el artista, ni el museo ni la galería ni el comisario ni ningún otro de los operadores que intervienen en la realización, custodia, venta o exhibición de la obra de arte, no están  interesados en hacerlo, ya que ello significaría aproximarla, y hacer cercana una imagen es también modificar la jerarquía desde la que ha sido elegida.

Lo importante sigue siendo la “artisticidad” de los objetos que se exhiben, sin valorarse ni reconocerse  la interacción del grupo que los produce. ¿Pero hasta qué punto el modelo que había sido diseñado para ayudar a revitalizar y consolidar los sectores que integran la industria cultural no es hoy en día una pura ilusión?

El combate del pensamiento

Marina Garcés y Santiago López Petit han presentado Espai en blanc, una apuesta colectiva para promover el combate del pensamiento y replantearse la posibilidad de abandonar la arbitrariedad de los mercados y escapar de la cárcel de deudas que envuelve nuestras existencias.

A modo de ejemplo presentaron imágenes sobre las reivindicaciones que tuvieron lugar alrededor del año 2000 en Barcelona. Los mensajes incluidos por Espai en blanc rezaban “Dinero gratis”, “Pasta ya”, “No queremos trabajo, queremos dinero” o “El trabajo, cuanto más lejos mejor”.

Marina Garcés y Santiago López Petit durante la sessión de Espai en blanc

La llegada de la crisis permite avanzar hacia un nuevo contrato social: el derecho o no a participar en la movilización global. Y, en este contexto, aparecen enfermedades indefinidas para hacer frente a la movilización global, como el malestar social. El movimiento del 15M es un ejemplo de ello.

Y este concepto de la “hoja”, de “espacio en blanco” que proponen se ha concebido como una herramienta desde la que ensayar la situación actual.

Casa de subastas. Desestocaje de arte. Lotes

El Colectivo Todoazen nos ha hecho una reflexión sobre el mercado y el valor del arte tomando como marco las casas de subastas dentro del mercado del arte, y el componente simbólico y económico que se esconde tras cada una de las pujas. Para demostrarlo, el colectivo nos ha expuesto una serie de lotes con el fin de que el público medite cuál debería ser su precio.

Por su especial caracterización como zonas de frontera entre el mercado y el gusto, entre la sensibilidad y la riqueza, entre  la economía y el arte, las subastas son narraciones que más allá de su estética realista pertenecen al simbolismo propio de las vanguardias del siglo XX. Los precios alcanzados construyen el valor del arte, de manera que las subastas de arte funcionan como un ritual de legitimación de la propiedad privada.

Noventa metros cuadrados

Bulegoa z/b es una oficina de arte y conocimiento bilbaína. Invitan a la investigación, el diálogo y la reflexión mediante talleres, seminarios, proyecciones, presentaciones y otras actividades. Cómo gestionar los recursos de los que disponen ha sido uno de los puntos principales a tratar.

Esta oficina nace para hacer algo diferente a lo que se está llevando a cabo institucionalmente. La economía ocupa gran parte de sus conversaciones como entidad, ya que deben decidir cómo gestionar los recursos económicos, provenientes exclusivamente de ayudas públicas, para sacarles el mayor partido posible. Se sirven de esta presentación como momento excepcional en el que pensarse a sí mismas.

Seminario de Bulegoa z/b

Cuerpo contra Capital: un musical flamenco contra el sistema financiero

Flo6×8 es un colectivo nacido en Sevilla que nos ilustró sobre su lucha contra el capitalismo a través de performances y acciones reivindicativas que tienen el flamenco como protagonista. Este colectivo, que nació a partir de la caída de Lehman Brothers, realiza desde bailes flamencos protagonizados por un solo bailaor hasta performances colectivas, pasando por cantes nocturnos individuales dedicados a las cámaras de seguridad o cantes individuales en pleno horario de oficina.

Sus objetivos son expresarse y manifestar descontento respecto a la situación económica, no sólo en estos tiempos de crisis, sino durante los años que los han precedido. Buscan hacer visibles a los responsables del cautiverio de la banca y denunciar la situación de dependencia que existe del ciudadano respecto a los bancos mediante el flamenco y la fuerza del cuerpo.

Redacción del museo

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Laboratorio Intercambios

Hombre apoyado en una pared

La segunda vez que me acerqué, una vez aclarado que no existía ninguna fuente oral o escrita que aclarara el origen, dirigí todos mis esfuerzos al análisis del dibujo y de la imagen encolada.

La producción de Picasso del cambio de siglo es bien conocida, por lo que situar el dibujo no me costó mucho. La figura de un hombre de aspecto proletario que se apoya indolente en una pared pertenece a la serie de estudios del natural que entre febrero y marzo de 1899 el joven pintor efectuó en el Círculo artístico de Barcelona. El estilo moderno y antiacadémico de las formas enlaza con los apuntes de calle que el pintor realizaba desde hacía un año atrás. También la influencia del lenguaje ágil y fluido de ilustradores como Steinlen parecía bastante clara.

Si bien el dibujo no presentaba grandes incógnitas, la pieza encolada era otra historia. La originalidad de Hombre apoyado en una pared arranca de la incongruencia de este añadido. Desde el comienzo, partí de la hipótesis de que identificar la naturaleza y, sobre todo, saber de qué contexto había sido extraído, me proporcionaría nuevas informaciones que revertirían en una comprensión más exacta de la obra.

Visita comentada a la exposición “Un Collage antes del Collage” por el comisario Fèlix Fanés

Aunque sobre Hombre apoyado en una pared no se ha escrito mucho, los pocos autores que han osado referirse a ello siempre han identificado la pieza pegada como un trozo de periódico. A finales de siglo la prensa no incluía reproducciones fotográficas, pero sí que las llevaban las revistas ilustradas. Necesitaba encontrar la imagen de una chica, con apariencia de actriz o de aprendiz de actriz, joven, atractiva y por la posición del cuerpo -quitándose la chaqueta- un punto atrevida. Inicié, pues, el registro de los semanarios catalanes, españoles y también franceses, de alrededor de 1900, susceptibles de incluir una imagen de estas características. Bajo mis ojos desfiló una inagotable retahíla de chicas bonitas y levemente descaradas. Pasé muchas horas en la hemeroteca de Barcelona (Ca l’Ardiaca), en las de Madrid (Conde Duque y Biblioteca Nacional) y en la de París (Bibliothèque Nationale). Ninguna de las imágenes que vi no se identificaba con la pieza que había elegido Picasso.

Vitrina de la exposición “Un Collage antes del Collage”

Una vez exploradas las revistas, continué la investigación en otros ámbitos. Las postales, por ejemplo, que eran muy populares alrededor del 1900, y donde abundaban las reproducciones de actrices o de aprendices de actrices, se convirtieron en el segundo objetivo de mis pesquisas. Pero una vez más no encontré ninguno que coincidiera con el rostro pegado a Hombre apoyado en una pared. Después de las postales, abrí un nuevo campo de investigación. Ahora les tocaba el turno a los programas de teatro. Desde finales del siglo XIX, muchos de estos folletos llevaban estampadas fotografías de actrices. La consulta la realizaba en los archivos del Institut del Teatre de Barcelona. Fue en esta institución, una vez escrutadas decenas y decenas de archivadores, que tropecé con una caja titulada, “Actrices Extranjeras”. En el interior se conservaba un álbum, que después supe que era de cromos de cajas de cerillas, en la tercera o cuarta página del cual había pegada una imagen idéntica a la utilizada por Picasso.

El comisario de la exposición Fèlix Fanés

A partir del descubrimiento todo fue más fácil. Los cromos me condujeron a los álbumes y los álbumes a detectar una tendencia social bastante generalizada. En el fin-de-siècle, para llenar el ocio, la gente recortaba y pegaba. Las tijeras y el pegamento no paraban. Anuncios, cromos, postales, fotografías, caricaturas, estampas, formaban una densa trama de imágenes. El hallazgo me abría nuevas perspectivas. En las revistas, en las postales, en los programas de teatro, había intuido una visualidad popular poco o nada estudiada. Este trasfondo, sumado a la fiebre de recortar y pegar, explicaba el gesto de Picasso. Más que inventar un nuevo procedimiento artístico, con el uso del pegamento el entonces joven artista lo que hacía era acercarse a las tendencias visuales que le rodeaban. La larga investigación, a menudo extraviada por caminos que no llevaban a ninguna parte, no había sido en vano. De hecho, se podría decir que las dificultades, más que cerrarme puertas, me las habían abierto. El entorno de imágenes baratas y la moda de recortar y pegar proporcionaron la clave para comprender en qué consistía realmente Hombre apoyado en una pared. Un collage, sí, pero un collage antes del collage.

Fèlix Fanés
Comisario de la exposición “Un Collage antes del Collage”