Un año más (¡y ya van 11!) se ha celebrado la Jornada de Conservación de Arte Contemporáneo en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS) de Madrid.

El objetivo de este encuentro profesional es comunicar y compartir experiencias con el fin de construir un camino conjunto y enriquecedor en un terreno joven y bastante autodidacta como es la conservación de la creación del siglo XX. Obras de vanguardia y post-vanguardia de artistas muchos de los cuales se inician en el XIX y producen en pleno siglo XX.

Nos ocupamos, pues, de la conservación de una producción artística no tan reciente (recordemos que los plásticos son ya centenarios, las primeras películas en nitrato de celulosa son de finales del siglo XIX y Picasso utiliza materiales ajenos a las Bellas Artes, tales como hule y pintura industrial, ya en el año 1912).

En cuanto al conocimiento del siglo XXI, el departamento de Conservación-Restauración del Reina es pionero en el diseño y el uso de la información de artistas vivos. Se trabaja en diálogo directo con los artistas, con el fin de recoger la máxima información sobre su proceso creativo. Las entrevistas quedan grabadas en vídeos que documentan la metodología de trabajo seguida, detalles de montaje de las instalaciones, condiciones de manipulación, etc.

Respecto de la tarea de conservación-restauración destacaría dos puntos:

• La interdisciplinariedad ya es una práctica normalizada en el mundo  de los bienes culturales, los conservadores sabemos establecer los puentes de diálogo y somos una pieza clave en la ciencia de la historia del arte.
• La plena participación en la actividad museográfica y la presencia indiscutible del conservador-restaurador en el desarrollo de las exposiciones temporales.

Por nuestra parte, el Museu Picasso ha colaborado en las Jornadas presentando un caso práctico de conservación preventiva sobre una gran tela de la colección, Las Meninas. Mediante un póster, se ha mostrado gráficamente las posibilidades de las vitrinas climáticas para obras de gran formato y las conclusiones extraídas después de casi dos años de seguimiento, periodo que incluye los ocho meses en que la obra ha sido expuesta en diversas sedes europeas.

Véase el póster presentado donde se puede seguir en detalle las características técnicas de la obra y de la vitrina climática.

Clic para ampliar

Agradecemos al departamento de Conservación-Restauración del Reina su organización excelente, así como al Grupo Español de Conservación (GEIIC) y las empresas que cada año ofrecen su apoyo.

Programa completo de las Jornadas en PDF

Reyes Jiménez
Departamento de Conservación Preventiva y Restauración

Hace algunas semanas hablamos sobre La imagen digital en el Museu Picasso: un proyecto de colaboración con la Universidad. Hemos invitado a Carles Mitjà, responsable del Laboratorio de Calidad de la Imagen (UPC) a compartir en el blog su valoración sobre el acuerdo y sobre el proyecto.

En 2009, el Centro de la Imagen y la Tecnología Multimedia (CITM) de la Universidad Politécnica de Cataluña (UPC), signó con el Museu Picasso un convenio marco con el objetivo de trabajar conjuntamente en programas de interés común para el desarrollo de las artes visuales y en concreto de la imagen digital. Como consecuencia de este convenio y en tanto que responsable del Laboratorio de Calidad de la Imagen (LQI) del CITM, he tenido la oportunidad de colaborar con Sílvia Domènech, responsable de Conocimiento e Investigación del museo, en la preparación de protocolos de trabajo que establezcan las condiciones, los límites y las metodologías en la reprografía digital de la colección, reprografía de los fondos documentales y otras actividades fotográficas dentro de las instalaciones del museo. En una primera fase, se han redactado tres protocolos de actuación centrados respectivamente en:

• reproducción digital de obra original
• reproducción digital de fondos documentales
• realización de reportajes de actividades diversas en de las instalaciones del museo

Este enunciado, sencillo en sí mismo, conlleva una cierta complejidad por la necesidad de conectar en una misma línea de actuación los profesionales implicados en las reproducciones, sus equipamientos, las metodologías de trabajo y la necesaria adecuación de las instalaciones del museo para recibir, comprobar, utilizar y redistribuir de forma adecuada los archivos digitales resultantes.

Laboratorio de Calidad de la Imagen

La segunda fase, ahora en desarrollo, consiste en implementar los procedimientos descritos en los protocolos en los distintos estadios de encargo y utilización de imágenes por parte de los distintos departamentos del museo. Es esta fase, como ya he dicho, la más compleja por la necesidad de atender flujos de trabajo establecidos desde hace ya muchos años con los cambios que implica la adaptación a una acción globalizada y controlada. En este sentido, es importante remarcar la buena disposición de las personas implicadas que hace posible avanzar y superar las dificultades.

En otro orden de cosas, el sólo hecho que una institución como el Museu Picasso tome la iniciativa de establecer unas condiciones de trabajo controladas en relación a la reprografía digital, es una señal de que las cosas avanzan en la dirección adecuada y que la renovación necesaria en el ámbito de la fotografía profesional se está consolidando como un rasgo característico de los nuevos procedimientos y tecnologías en los que ahora se apoya la fotografía como técnica.

Esta experiencia, que justo ahora empieza a mostrar su alcance real, se está revelando no sólo como un reto en el marco de las actividades del LQI, sino también como un ejercicio de acercamiento entre los presupuestos teóricos que conllevan las actividades de investigación y la aplicación práctica al servicio de estructuras de trabajo fijadas por las necesidades de las instituciones y de los profesionales que prestan sus servicios. Es esta quizá, para nosotros, la aportación más valiosa de las actividades derivadas del convenio, ya que gracias al vínculo que el LQI tiene en la docencia del título de Grado en Fotografía y Creación Digital de la UPC, nos es posible conducir esta docencia hacia la formación de futuros profesionales que puedan dar respuesta a las necesidades mencionadas y técnicos capaces de garantizar el cumplimiento de las premisas de calidad que exigen los estándares más exigentes.

Carles Mitjà
Coordinador del Laboratorio de Calidad de la Imagen (LQI)
CITM/UPC

Imaginad que paseáis por una librería llena de catálogos de arte sin buscar nada en concreto. Lo primero que os llama la atención, entre todos los libros, —ya de lejos e incluso antes de poder leer los títulos— es el colorido de las cubiertas. Reproducciones de obras conocidas, detalles intrigantes, estilos familiares, tipografías indescifrables… Os acercáis a una mesa, junto a los estantes, y cogéis un catálogo. ¿Sabríais decirnos qué es lo que os ha atraído de él? ¿Qué os ha impulsado a coger éste y no otro? Si la cubierta hubiese sido diferente, ¿lo habríais hojeado igualmente? Cuando lo habéis abierto, ¿la impresión que os había causado la cubierta se ha confirmado o el interior os ha decepcionado?

Nosotros creemos que en los catálogos, como en el resto de libros, la cubierta es el anzuelo que lanzamos al lector, el canto de sirena que queremos que lo atrape. Elegir una y no otra no es sólo una cuestión de gustos. Seleccionando una concreta decidimos qué os queremos contar, qué parte del contenido pretendemos destacar, qué pensamos que os llamará la atención.

1 Cubierta del catálogo de la exposición Olvidando Velázquez. Las Meninas. Jason Ellams
2 y 3 Otras propuestas gráficas descartadas. Jason Ellams

¿Demasiado clásica? ¿Demasiado críptica? ¿Elegante? ¿Atrevida? ¿Excesivamente obvia? ¿Se interpretará bien? ¿Está en sintonía con la línea de nuestro museo? ¿Se verá pasada de moda dentro de unos años? Éstas y muchas otras preguntas nos planteamos cuando estamos decidiendo cuál será la cubierta del catálogo en el que estamos trabajando.

1 Cubierta del catálogo de la exposición Imágenes Secretas. Nino Cabero
2 y 3 Otras propuestas gráficas descartadas. Nino Cabero

A veces esta selección se prolonga durante semanas. En otras ocasiones hemos escogido sin dudarlo en la primera reunión. A menudo pedimos a los diseñadores que trabajan con nosotros que nos presenten opciones diferentes, que no se limiten a poner en imágenes una idea que les hemos dado, que se arriesguen a ofrecernos visiones incluso contradictorias. Nadie como ellos —que llevan meses trabajando en el proyecto— conoce las posibilidades expresivas de algunas imágenes o el poder de la tipografía. Su paciencia y profesionalidad resultan providenciales cuando la elección es complicada.

Pero la cubierta no es solamente imagen o tipografía. La cubierta es algo que tocamos, es una parte fundamental del cuerpo físico del libro: lo envuelve, lo define, constituye su soporte. Por tanto, el formato, los materiales que elegimos, si hacemos una rústica o una tapa dura, si añadimos una sobrecubierta o no… cómo pondremos el título en el lomo, cómo será este título… si escribimos o no algún texto para la contraportada… Todo esto tiene un significado preciso, nos quiere transmitir algo, y sin duda genera muchas y muy distintas sensaciones entre los visitantes de la exposición que compran nuestros catálogos.

Marta Jové
Publicaciones

¿Os parece que la elección ha sido acertada en cada caso? ¿Vosotros qué portada hubiérais escogido para cada exposición?

Valentín Roma

Dentro del ciclo “Miradas sobre la colección” el Museu Picasso invitó a Valentín Roma a dar una charla. La versión escrita íntegra se encuentra en la web del museo en versión pdf. Hemos extraído para el blog los fragmentos más directamente relacionados con la obra de Picasso. Es un texto interesante, lúcido y provocador. Lectura recomendada 5 *

Tradicionalmente el arte entendió la apropiación desde su vertiente más esquemática y, al mismo tiempo, más sensacionalista […] Dentro del “apropiacionismo” –tal vez, el ismo postmoderno por antonomasia– no sólo habita cierta forma de homenaje, plagio o parodia, sino también la afirmación de estar dentro de una misma idea colectiva. En este sentido, tal vez cabría pensar la apropiación desde un lugar diametralmente opuesto al que propone la historia del arte, esto es, como un proyecto comunitario, un posible comunismo desarticulado. Desde esta perspectiva que desatiende la condición del autor, quizás deberíamos rescatar algunos conceptos que son una especie de registro emotivo –una mala palabra– de lo que es el arte. Me gustaría, entonces, proponer dos términos sobre Picasso y Las Meninas. El primer término es tradición. El segundo término es promiscuidad.

Distingamos cuatro clases de promiscuidad artística: la promiscuidad de la carne, la promiscuidad del tiempo, la promiscuidad de la mirada y la promiscuidad de la historia.

[Para una explicación detallada de cada una de éstas y la correlación que hace con

la obra de varios artistas, véase el texto íntegro de Valentín Roma.]

[…] Por fin llegamos a la cuarta promiscuidad, la de la historia, y aquí llegamos, por fin, a Picasso.

Hablar de apropiacionismo en Las Meninas de Picasso es referirse a algo inexacto y excesivamente parcial. Hablar de variación es igualmente atender, solo, a un método de trabajo que ni es patrimonio de Picasso ni es, siquiera, una seña de identidad picassiana.

Me han invitado a hablar de esta serie de cuadros y les tengo que confesar –no es una broma– que apenas si los entiendo. Ojala fuese John Berger pero malogradamente para ustedes no lo soy, por lo que intentaré lanzar una serie de ideas que me suscitan Las Meninas y que quisiera compartir con el público.

La primera idea es que Las Meninas me parecen un diario adolescente, esos en los que uno va anotando todo lo que le pasa y que después, pasados los años, se manifiestan como un muestrario de escaramuzas psicológicas y de derivas emocionales. Esos saltos desde lo intrascendente hasta lo estructural, desde lo anecdótico hasta lo definitorio se encuentran de algún modo en estas pinturas. Intuyo en esos gestos cierto espíritu didáctico, como si en 1957 Picasso hubiese querido aprender algo de Velázquez. Y es que aprendemos tanto de lo importante como de aquello que casi no significa nada. Aprendemos por oposición, probando cuál es el límite de las cosas, cuál es su final.

La segunda idea es que cuando miramos Las Meninas de Picasso no observamos a Velázquez reinterpretado ni deconstruido. Tampoco, me atrevería a decir, vemos al propio Picasso. Lo que observamos es, simplemente, un modo de mirar un cuadro. Esto puede parecer poco épico pero, en realidad, puede ser sumamente importante. Se ha hablado mucho de la quietud de los cuadros de Velázquez, de esa “falta de aire”, que decía Cortázar refiriéndose a Velázquez y, también, a Mondrian. Si esto es cierto –que de alguna manera lo es– Picasso consiguió animar Las Meninas, extraer de ellas lo que tienen de icono impenetrable.

La tercera idea es que después de aprender y de mirar, Picasso “vulgarizó” Las meninas de Velázquez y, con ello, las humanizó de algún modo, rescatando ese cuadro maravilloso de los discursos veneradores de la historia del arte, del fetichismo de los museos, de la indiscriminada fascinación de las aglomeraciones e, incluso, de la mirada alucinada de artistas contemporáneos como Jeff Wall o Alfredo Jaar.

La cuarta, y última, idea es una maldad. No tengo a Picasso por un artista “humanitario”, por lo que entiendo que esa operación suya de aprender, mirar y humanizar a Velázquez no fue una bienaventurada tarea escolar. Comprendo, más bien, que Picasso estaba alternando –como se decía antes– con la historia de la pintura, estaba coqueteando, estaba, en definitiva, siendo promiscuo. No daré nombres, pero hay artistas que hacen de la coherencia una divisa moral y estética, sin embargo hay otros que ordenan su tarea alrededor de la infidelidad, de lo desorganizado, de lo incoherente, de lo rapsódico. Esto que digo no es un alegato romántico ni una apología del arrebatamiento. Hace muchos años, cuando era más joven y estudiaba historia del arte, Picasso no me interesaba absolutamente nada porque me parecía un “antiguo”, porque era un pintor que le gustaba a todo el mundo y porque cada año, en Navidad, la Caixa de Sabadell te regalaba un libro ilustrado sobre Picasso. Hoy, sin embargo, me parece un artista que conviene analizar seriamente, huyendo de todos los estereotipos que le han rodeado. Como ven esta charla es, también, un acto infiel, otro gesto promiscuo.

Valentín Roma

Historiador de arte, comisario de exposiciones, profesor de estética y cultura digital

Este nombre de Catosfera, que a algunos puede sonar como a estratosfera y que juega con la conjunción de Cataluña y blogosfera –como se conoce el universo de los blogs-, designa el encuentro de reflexión y análisis que bloggers y otros usuarios y protagonistas de las redes sociales en Cataluña celebran cada año. La Catosfera 2010 se ha celebrado los días 29 y 30 de enero en la fábrica Roca Umbert de Granollers, y ésta ha sido su tercera edición.

El Museu Picasso participó de la mesa redonda de Cultura y redes sociales, moderada por el escritor y blogger Toni Ibáñez. Compartíamos mesa con Lucía Calvo del CCCB y Teresa Fèrriz de UOC-Lletra. La hora y media de durada se hizo corta para tratar los distintos aspectos, valores, dificultades y retos de futuro de cada una de las tres instituciones en el mundo 2.0, así como las experiencias y preocupaciones de los asistentes presenciales, más las de los que participaban en directo vía Twitter. Ha sido una experiencia interesantísima y la verdad es que por más 2.0 que seamos, el encuentro presencial sigue estando cargadísimo de valor añadido.

Entre otras cuestiones se trataron como trabar mejor la actividad presencial y la virtual ofertada por el museo, las razones que hacen aconsejable desplegar una presencia 2.0 activa, como poner en valor los contenidos generados por los usuarios –las “audiencias creativas” de que hablaba Manuel Castells-, el cambio organizacional que conlleva la adecuación a las redes sociales no sólo en la forma de hacer difusión sino en las mentalidades y los hábitos de trabajo y un poco el tema de los derechos, que daría para una sesión monográfica.

Sergio Cortés me hizo después una reflexión que acierta de pleno: las instituciones en general estamos en la fase inicial de despliegue 2.0, en que aún tendemos a hacer que nuestra presencia en las distintas redes sociales sea más de emisor a receptores, pero que no hemos conseguido realmente potenciar/provocar una comunicación multidireccional, de construir comunidad, de impulsar la co-creación (no hacer para sino con los usuarios), de participación y colaboración activas por parte de los usuarios. Éste será el punto hacia donde enfocar los esfuerzos de ahora en adelante, al menos desde el Museu Picasso ¡lo intentaremos!

Ésta y otras sesiones (periodismo, emprendedores 2.0, etc.) se pudieron seguir en directo por Internet. Los vídeos de cada una ya están disponibles en www.cdigital.cat. También en Twitter se puede seguir el hilo de la discusión que se produjo durante y después de las sesiones si buscáis por #cdigital2010. Podéis leer buenas reseñas sobre las jornadas en los blogs de Gemma Urgell, Ricard Espelt y continuar la discusión allí o en los comentarios de aquí.

Conxa Rodà
Coordinación de proyectos

¿Qué cuestiones os parecen que serán las cruciales en el 2010 en las redes sociales?

Este enero me he incorporado al Museu Picasso para asumir la dirección de Programas Públicos, el área que engloba servicios culturales, educativos y la web. Estoy realmente entusiasmada con formar parte del equipo del museo en un momento lleno de energía y de proyección de futuro, y es una gran satisfacción aportar conocimientos, imaginación y trabajo en su desarrollo. Ya os iré haciendo partícipes de cómo se configura este departamento y de la labor de todo el equipo.

Os quería hablar de una de las primeras actividades con las que me he encontrado, la colaboración entre el MACBA y el Museu Picasso en el marco de la exposición retrospectiva que el MACBA presenta del artista canadiense Rodney Graham.

En la trayectoria de Rodney Graham, Bartomeu Marí, director del MACBA, destaca la exploración de convenciones en el arte contemporáneo, como las que giran en torno a la figura del artista. A menudo se incluye a sí mismo como actor principal en sus obras, representando estereotipos de artistas en sofisticadas puestas en escena. Otras convenciones sobre las que reflexiona son las que se ponen en evidencia al contraponer la alta cultura y la cultura popular, que a veces se alimentan la una de la otra y hacen de espejo de las convenciones sociales y culturales.

La exposición, comisariada por Friedrich Meschede, está estructurada en diversos ámbitos: una zona de biblioteca-archivo que explora la relación con la literatura; una instalación que, evocando el título de la exposición A través del bosque, presenta la luz como elemento de salvación; varias salas con trabajos en fotografía, film y video, algunos de los cuales no se han mostrado en muchos años, y que giran en torno elementos de apropiación y de relación entre lo popular y lo culto;  y un área que explora la identidad y la figura del artista. La exposición termina con la serie de pinturas Picasso, My Master, realizada en 2005, donde en un momento de reflexión sobre las limitaciones del arte conceptual en el que Graham ha circunscrito siempre su obra, inició una exploración sobre los lenguajes de la pintura, tomando como referente la obra de Pablo Picasso.

Donde acaba esta magnífica exposición se inicia otra propuesta, ahora en el Museu Picasso. A partir de la idea de un diálogo con obras de Picasso, se desarrolla la propuesta Posible Abstractions, donde Graham ha creado un proyecto específico para el museo. A partir de una tira cómica de los años cincuenta, que cuestiona temas como el significado en el arte contemporáneo y los estereotipos en el arte de las vanguardias, el artista trabaja el tema del lenguaje de la abstracción, de una manera irónica y llena de humor, y se inspira también en los dibujos que el propio Picasso hacía en portadas de revistas similares, algunos ejemplares de los cuales forman parte de la colección del museo.

Para nosotros esta es una primera exploración en la inclusión del trabajo de artistas en activo en el programa del museo, y estamos satisfechos de haberlo hecho con la colaboración del MACBA y la complicidad de Rodney Graham. Esperamos que vengáis a visitarnos y nos gustaría recibir vuestros comentarios.

Anna Guarro
Programas Públicos

¿Qué os parece que en el Picasso expongan artistas actuales?

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