¿Cómo ayudar a las personas con ceguera a ver el arte? ¿Cómo hacer sentir la fuerza de la expresión artística a las personas con discapacidad auditiva? ¿Cómo hacer disfrutar del arte a personas con discapacidad mental “, en definitiva, ¿cómo facilitar a todos los públicos un mejor acceso  a los museos y a las exposiciones? Estas y muchas más cuestiones han sido objeto de una jornada muy densa el 26 de octubre, dedicada a conocer y debatir líneas de trabajo y experiencias de los museos de arte para ser más accesibles. El lugar, la Pedrera. Intervinientes y audiencia, profesionales de museos y representantes de diferentes colectivos de discapacitados.

Las conclusiones serán presentadas en las Jornadas Museos de Cultura y buenas prácticas. Accesibilidad e Inclusión que tendrán lugar en el Museu Marítim de Barcelona del 4 al 6 de noviembre. Avanzamos aquí sólo un extracto de algunas de las presentaciones hechas.

Era muy esperada la charla del MoMA y no decepcionó en absoluto. Francesca Rosenberg, Director of Community and Access Programs in Museum of Modern Art’s Department of Education, hizo una exposición clara y completa de las múltiples iniciativas que llevan a cabo, tales como:

-programas de accesibilidad escolar ( “Art looking, Art making”)

-”Interpreting MoMA” para sordos, transcripciones de los programas de audio

-”Touch Tours”, visitas táctiles, ediciones en Braille y audioguías con descripciones visuales para los invidentes

-una experiencia interesantísima de “Teleconference Courses”, para las personas que no pueden salir de casa, donde un/a educador/a va dirigiendo por teléfono un curso interactivo de arte

-programas de sensibilización para estudiantes de Medicina

- MoMA Alzheimer’s Project, visitas para los enfermos y personas que los atienden

Francesca Rosenberg, Director, Community and Access Programs , MoMA. Foto: Robin Holland

Todo sin olvidar la formación específica a los educadores del museo, ya que muchas personas con discapacidad les han hecho saber que la actitud hacia ellos es la principal barrera que encuentran en la sociedad. En palabras de Francesca Rosenberg, “People with disabilities are part of your general public” (la gente con discapacidades son parte de vuestro público general), una verdad tan elemental como ignorada a menudo.

Entre las claves de éxito remarcó hacer una buena planificación, investigar sobre las discapacidades, contar con un comité asesor (Advisory Board), integrado por personas con y sin discapacidad, hacer una amplia difusión, considerar a fondo las condiciones de espacio, acústica, horarios, ser flexibles y adaptar la oferta, evaluar.

En el blog de Albert Sierra, siempre acertado, podéis leer sus “8 retalls” de esta charla. Y en el blog Artandapart otra excelente reseña de la sesión del Louvre.

El Museo del Louvre hace también muchos años que desarrolla iniciativas inclusivas que afectan a cuatro vertientes: el edificio, la museografía, la web y la comunicación. Cuenta con un Plan de Accesibilidad y una auditoría que hace el seguimiento. Además de facilitar la accesibilidad física a sus espacios, notoriamente compleja por las dimensiones y estructura monumentales del edificio, y de proveer de dispositivos táctiles, visitas comentadas en lenguaje de signos, visitas teatralizadas con mimo (International Visual Theatre), organiza unos Rencontres, unos encuentros de los agentes del sector médico-social. Matthieu Decraene, Chargé de développement des publics pour l’accessibilité, resumió los puntos vitales en 4 aspectos:

-la puesta en práctica de una política de accesibilidad sólo puede llevarse a cabo con la colaboración de las personas discapacitadas y de sus representantes

- La política de accesibilidad permite mejorar el acceso de todos los visitantes y sitúa las necesidades de los usuarios en el centro de las preocupaciones del museo

-se construye con el tiempo y supone un largo recorrido donde la constancia es necesaria

-la accesibilidad es un proyecto transversal que debe movilizar toda la institución.

Galeria táctil en el Museo del Louvre. Foto: Cyril Labbé

¡Ya me estoy alargando demasiado y eso que omito muchas cosas interesantes! Pero no puedo dejar de mencionar las iniciativas locales. Destaca, a mucha distancia, el proyecto “Museo, espacio común de integración” del MNAC, dentro del programa Educ’Art. Teresa González, responsable del Departamento de Educación, hizo una excelente presentación del programa de accesibilidad, iniciado hace ya 10 años. Los principios básicos son ser accesibles -atendiendo las discapacidades físicas, cognitivas, sociales o económicas-, procurar una acogida personalizada, potenciar la autonomía y estimular la participación y el trabajo conjunto a tres bandas entre los profesionales del museo, los profesionales que atienden a los discapacitados y a los propios destinatarios. Recojo aquí sólo las actividades para los visitantes con discapacidad cognitiva: todas las visitas se complementan con unos talleres de expresión creativa, con los objetivos de ayudarles a desarrollar las habilidades cognitivas y sensoriales, a potenciar sus habilidades personales y sociales a través de la confianza y la autoestima. Al final del taller, cada participante presenta su trabajo al resto. Hasta el pasado domingo se ha podido visitar en el museo una muestra de estos trabajos de expresión.

Talleres para visitantes con discapacidad cognitiva. MNAC.

Teresa acabó su intervención lanzando unas preguntas abiertas: ¿cómo pasar de diseñar programas para discapacitados a diseñarlos con los discapacitados? ¿Cómo podemos transferir a las políticas de accesibilidad lo que hemos aprendido del trabajo con discapacitados? ¿Cómo hacer que la accesibilidad esté en el corazón de la política del museo y sea asumida como responsabilidad de todos los trabajadores?

Otros ejemplos presentados de buenas prácticas fueron el programa “La mirada táctil“, desarrollado en museos por la Diputación de Barcelona, el programa “Hablando con la pintura“, dirigido a personas con discapacidad intelectual, desarrollado por la Asociación Argadini en los museos Thyssen-Bornemisza y Reina Sofía, o las experiencias de la Pedrera, El Museu Marítim y la Fundació Miró, cuya gerente, Dolors Ricart, destacó que a menudo hay que luchar contra la resistencia en el museo, de los diseñadores, directores artísticos, etc., que hacen prevalecer los criterios estéticos por encima de los funcionales, cuando lo que hace falta es “hacer más universal tanto el patrimonio como la forma de explicarlo”.

El punto más impactante de la jornada fue la mesa redonda donde representantes de diferentes discapacidades tomaron la palabra. Coincidían en que en los últimos años se ha avanzado mucho y que empiezan a ser frecuentes los recursos táctiles, audioguías adaptadas, etc. Meritxell Aymerich, ciega de nacimiento y periodista, expresó muy gráficamente que “antes, ir a los museos era como si las vitrinas estuvieran vacías o los cuadros en blanco”. Dolors Ódena, de un colectivo de enfermos mentales, dice que para ella hay un antes y un después de los talleres del MNAC, “te preguntas qué saldrá: salen emociones, conoces materiales, creces en cultura y rompes el estigma y el miedo de hacer cosas normalizadas “.

Entre las demandas: que se comunique mejor los servicios de acceso de los museos en las oficinas de turismo, en la web, etc., que el Braille esté presente en los museos, que se tenga en cuenta no sólo la utilización del lenguaje de signos sino otros recursos para los sordos que se comunican oralmente, que todos los vídeos sean subtitulados, que se actúe de manera integral en el edificio, en las actividades, en los talleres, que los departamentos de educación preparen materiales adecuados, que se formalicen convenios entre los museos y las asociaciones de discapacitados, que se forme al personal del museo.

Y os preguntaréis, y en el Picasso, ¿qué hacen? Pues muy honestamente debo decir que tenemos mucho trabajo por hacer en todos los aspectos de accesibilidad, salvo en el acceso físico a los espacios y en la web. A pesar de tratarse de un conjunto arquitectónico complejo, formado por 5 edificios de origen medieval, todos los espacios del museo son accesibles. Se dispone de sillas de ruedas para los visitantes que lo requieran. También la web es accesible y aplica la normativa estándar WAI (Web Accessibility Initiative) adoptada por la Unión Europea. Ahora bien, en el resto de aspectos, lo tenemos casi todo por hacer. En la nueva etapa que hemos iniciado en el museo, la accesibilidad es y será una de las prioridades.

Izquierda: grupo accediendo al museo. Derecha: el director atendiendo a un grupo de gente mayor.

Como se dijo en el Compromiso de los 7 museos de Articket, organizadores de la jornada, “hacer que las personas con discapacidad disfruten de los contenidos del museo es un reto y una obligación” y en esta dirección trabajaremos. Mejorando el acceso a las personas con discapacidad estaremos mejorando el acceso de todos.

Conxa Rodà
Coordinación de proyectos

¿Qué acciones crees que son más urgentes para favorecer la accesibilidad?
¿Has tenido alguna experiencia muy mala (o muy buena) para acceder a los museos?

¿Os habíais planteado nunca que podemos escuchar una pintura?

Un punto de partida, la obra de Picasso de 1897, Ciencia y Caridad. Una intervención, sonora. Esta ha sido la propuesta de la dramaturga Victoria Szpunberg y el ingeniero de sonido Lucas Ariel, realizada dentro del programa La Colección vista por …, este mes de octubre. Han aportado una nueva visión crítica y personal en torno a la obra y figura de Picasso. Alejada de los tópicos y las interpretaciones de carácter historicista en torno al artista. Una propuesta arriesgada, inusual, fresca, experimental y, porqué no, punto de partida para una posible investigación sobre el “sonido de la pintura”. Ha resultado interesante por muchos motivos.

Parten de una de las piezas de la primera época del artista, académica, de temática religiosa -para algunos no es de las más destacadas-, y a través de un personaje secundario, una enferma, una modelo, una mujer insignificante en la vida y obra de Picasso, establecen el discurso narrativo sonoro.

“Ciencia y Caridad”, Pablo Picasso. Barcelona, 1897. Óleo sobre tela, 197 x 249′5 cm. MPB 110.046

Una contradicción aparente, siendo la pintura esencialmente imagen, no es a través de esta de donde parte el discurso sino del sonido. La obra se convierte en un pretexto para plantear temas contemporáneos sobre la sociedad y la cultura. Desde la condición humana o la dificultad de abandonar el espacio que habitamos, al significado de la inmortalidad en el arte, el mercado del arte, el consumo cultural o la tipología de públicos.

Juegan con los conceptos, reflexionan, a través de un juego sonoro, sutil, donde las voces fluctúan acompañadas de música clásica, que se ve interrumpida por unas notas intensas, rápidas, que alteran la atmósfera del espacio donde se encuentra el público, sumido en la oscuridad. El público asistente responde, opina, habla, discrepan entre si, no queda pasivo. La propuesta les ha llegado, ya sea positiva o negativamente. Ese es uno de los objetivos de las miradas, la percepción y reacción por parte del público.

A estos jóvenes creadores no les ha interesado el discurso académico, teorizar, sino ir más allá. Identificarse con el personaje del cuadro, dándole voz, vida. Pide ser mirado, nos animan a ir más allá de la superficie, a transformar la materia, la realidad, no sólo con la mirada sino con los cinco sentidos. Así es como se convierte una vez más en inmortal, a través del artista y del espectador.

Marta Iglesias
Actividades

Voces: Anabel Moreno (mujer enferma), Ricard Gàzquez (Sabartés), Anna Llopart (Jacqueline) y Damien Bazin (El loco).

Bajo el marco de “Rencontres Web-Musées” el 16 de octubre se ha celebrado en París una jornada en el más puro espíritu 2.0, es decir, informal y participativa y con mucha sustancia, aportada tanto por las intervenciones de la mesa como por parte de los asistentes. El marco, el Louvre. El tema: museos y web 2.0. El contenido: ahora haré una breve reseña, y podéis consultar las presentaciones en Slideshare.

Pude constatar que en 2.0 los museos en Francia están más o menos como los de aquí, es decir, empezando a explorar y a descubrir las inmensas posibilidades comunicativas y de generación de contenido que las redes sociales ponen a disposición de todos. Destacan algunos museos líderes, entre otros, las experiencias 2.0 del Museum y de les Abattoirs, uno de ciencias, el otro de arte contemporáneo, ambos en Toulouse o del Museo de Arte Contemporáneo de Lyon. En la capital, no parece que los grandes museos hayan empezado todavía, pero ya se notaba el interés por parte de los asistentes de museos parisinos y el mismo hecho de celebrar la sesión en el Louvre es un buen indicio. Mi intuición es que dentro de seis meses o como máximo un año, la acción en las redes sociales será ya incorporada en la estrategia de la mayoría de centros. Es demasiado bueno su potencial como para desaprovechar sus posibilidades. La velocidad vertiginosa en la que están extendiéndose no permite dormirse mucho, si no se quiere perder el tren de la participación. No se trata en absoluto de seguir una moda, se trata de estar presente allí donde están los usuarios y de poder conversar con ellos, intercambiar experiencias, en una comunicación multidireccional, que va no sólo, como antes, del museo hacia todos, sino de todos hacia el museo y de todos entre todos.

De la variedad de buenas prácticas presentadas y de los conceptos compartidos, señalaré sólo algunos y os invito a ir viendo las presentaciones, todas ellas interesantes.

Samuel Bausson, webmaster del Museo de Toulouse y uno de los artífices de los Rencontres junto con Yves-Armel Martin del Centro Erasmo, ve el museo como un lugar propicio a la afiliación por afinidad, y el 2.0 salir de los muros e ir a encontrar los visitantes allí donde ya están. Me gustó especialmente el enunciado que hay que “salir de la lógica de vitrina para ir a una lógica relacional”. Samuel, como casi todos los intervinientes hizo hincapié en que hay que escuchar. Esto es, efectivamente, lo primero que debe hacer un museo, un centro, una empresa: escuchar qué dicen los usuarios, conocer qué hacen los otros en 2.0. Seguidamente hay que facilitar la interpelación por parte de los visitantes, participar en la conversación y aceptar las contradicciones. Hay que sincronizar los tiempos del museo con los de la web y se trata no de hacer para los visitantes sino con los visitantes. Una conclusión muy cierta: “pas de web 2.0 avec un Fonctionnement interne en 1.0″, es decir, no puede haber web 2.0 con un funcionamiento interno del museo en 1.0 (no participativo). Os recomiendo sus presentaciones, una de ellas que lleva el sugerente título de “De la conservation à la conversation” y la otra, Adéquation Web 2.0 te musées, con inspiradas diapositivas finales caricaturizando las objeciones que se suelen poner la entrada a las redes sociales.

Presentación de Samuel Bausson, Rencontres Web-Musée en el Louvre.

Ana-Laura Baz, del Musée de la Civilisation del Québec, define el museo como lugar de encuentro de las ideas y las personas, y propone conversar con los públicos en el blog sobre la base de las producciones del museo.

En el paquete de experiencias concretas, además de explicar el concurso en Flickr que hemos organizado en el Museu Picasso y una segunda presentación exponiendo la puesta en marcha de nuestro proyecto 2.0, Maud Dahlem, de Toulouse, explicó una experiencia interesante y exitosa de encuentro de público internauta y público presencial, a partir de una actividad fotográfica en el museo.

El Museo de Arte Contemporáneo de Lyon, con unos 200.000 vistantes por año, la mitad de ellos son menores de 26 años, presentó su acción en facebook. Se puso el énfasis en la oportunidad que brinda Facebook para un diálogo directo entre el visitante y el museo, en un contexto y un lenguaje distinto al habitual.

Y en el tramo final, una sesión de Philippe Fabry, dedicada a la evaluación y cómo medir el impacto del arranque en redes sociales. Para poder calibrar bien si hemos aumentado la frecuentación y / o la visibilidad, hay que medir los usuarios de la web antes y después de la puesta en marcha del proyecto.

En los turnos de debate surgieron muchas cuestiones de interés y dudas e incertidumbres que nos acompañan a todos en este despuntar museístico del 2.0, como por ejemplo, cómo conservar el histórico de la relación con los internautas, como convencer a los “jefes” de la importancia / necesidad de estar presentes y de dedicar recursos, qué retorno de la inversión, los indicadores cualitativos, la integración dentro de la web “oficial” o la preocupación por la continuidad del proyecto 2.0 cuando ha ido asociado a la iniciativa y motivación de una sola persona y no de toda la institución.

Facebook del Museo de Arte Contemporáneo de Lyon.

Significativa y curiosa la pregunta que un asistente hizo a una de las ponentes que había puesto en marcha su proyecto 2.0 en un centro dependiente del Ministerio: “y como lo has podido hacer, a nosotros-también dependientes del ministerio- no nos han dejado”. La respuesta, contundente “no hemos pedido permiso”. Bien por el pragmatismo, mal que las esferas de decisión vayan todavía con miedos de las críticas, cuando las críticas son valiosísimas para mejorar y avanzar. Apertura y transparencia, inherentes al 2.0, deberían ser también las cualidades de una Administración al servicio de los ciudadanos.

Termino este resumen invitando a ver las presentaciones y dejar vuestros comentarios en este blog.

Conxa Rodà
Coordinación de Proyectos

¿Qué esperáis de los museos en las redes sociales? ¿Qué os gustaría encontrar?

Los días 7 y 8 de octubre participé, como representante del Museu Picasso, en las dos conferencias que Carles Mitjà, profesor de la UPC (Universitat Politècnica de Catalunya), impartió en la Jornada sobre control de calidad de la imagen dentro el Salón Sonimag Foto y Multimedia. Todavía ahora me pregunto cómo yo, que de imagen digital sé poco, me vi compartiendo una charla repleta de algoritmos sobre calidad en la imagen digital… puesto que, es una historia de colaboración y de enriquecimiento mutuo.

Hace poco más de un año aterricé en el Museu Picasso, entonces la dirección me transmitió su profunda preocupación por el tema de la “fotografía” en el museo. A pesar de mi bagaje de 14 años de trabajo en el Archivo Fotográfico de Barcelona, recuerdo haber insistido en que yo podía poner un cierto orden y establecer unos criterios organizativos y conceptuales, pero que en el siglo XXI, era imprescindible trabajar con imagen digital y, de ello, sabía muy poco. Percibí que tanto el director como yo estábamos en sintonía y éramos conscientes de la importancia del tema para el buen funcionamiento del museo, a la vez que éramos conscientes de la magnitud de la tragedia. Así que con este panorama me puse manos a la obra.

Picasso con Sabartés. ©Derechos reservados.

Definir la necesidad y el uso de imagen digital en el museo y dar una cierta coherencia en el proyecto estaba en mis manos, pero un tema de crucial significación como es el control de la calidad de la imagen se me escapaba totalmente. En las instituciones desarrollamos la práctica, pero los verdaderos conocimientos técnicos están en la universidad, así que me puse en contacto con los expertos, les expliqué nuestras ideas y nuestras preocupaciones al respecto, y en febrero de este año, en el mismo momento en que el museo iniciaba una nueva etapa de crecimiento cualitativo, firmamos un convenio de colaboración con el Centro de la Imagen y la Tecnología Multimedia de la Universitat Politècnica de Catalunya (CITM-UPC) con el objetivo de trabajar juntos en programas de interés común para el desarrollo de las artes visuales y en concreto de la imagen digital.

Después de unos pocos meses de conversaciones y de intercambio de nociones, hemos empezado a dar forma a esta colaboración. Hoy por hoy, se han abierto tres vías de trabajo que afectan a diferentes sectores del museo: la reprografía digital de la Colección, la reprografía de los fondos documentales y la realización de reportajes fotográficos. El CITM-UPC ha elaborado tres protocolos de trabajo para los tres ámbitos de actuación, nos está asesorando para garantizar su cumplimiento y está diseñando la ingesta, el archivo y el acceso a estas imágenes. Nuestra cooperación a penas ha comenzado y será necesario un cierto tiempo todavía  para obtener resultados, pero en estos pocos meses de trabajo en común hemos avanzado mucho y, sobre todo, hemos discernido cómo puede el Museu Picasso  garantizar la calidad de la imagen digital y su gestión y hemos puesto en marcha nuevas vertientes de investigación para la universidad.

Pronto hará un año que asistí a una conferencia del admirado Grant. B. Romer, director y fundador de la Advanced Residency Program in Photograph Conservation, en la George Eastman House de Nueva York, donde dijo que “la fotografía había muerto”. Pensé entonces que, como no podía ser de otra manera, tenía razón, pero ahora entiendo mejor lo que quería decir: la fotografía es una cosa y, la imagen digital otra muy diferente. Seguro que el carácter poliédrico de la fotografía lo ha heredado la imagen digital, pero la base tecnológica de ésta pertenece a otro mundo y a otros expertos, que el museo debe saber integrar.

Sílvia Domènech
Conocimiento e Investigación

Mucha lectura cabe durante las vacaciones. Además de haber devorado varias novelas y otra lectura atrasada, he tenido la suerte de tropezar con dos obras especialmente interesantes, una de museos y otra de redes sociales, que os propongo compartir. Empezaremos por la de museos:

Museum. Behind the Scenes at the Metropolitan Museum of Art
Danny Danzinger. Viking, New York. 277 pp.

50 relatos en primera persona. Construidos a partir de entrevistas, ofrecen una amplia mirada desde dentro del museo, aportada por los vigilantes, conservadores, mecenas, informadores, bomberos, personal de tienda, y por su director durante 30 años, Philippe de Montebello, que afirma con ilusión: “I prefer to walk in museums when there are people around [...] There are times when you’re looking at something so splendid, your wish is to turn and say to someone “Share with me the beauty of this” (pàg.156). (“Prefiero pasear por los museos cuando hay gente por allí [...] Hay veces que estás mirando alguna obra tan espléndida, que deseas girarte y decirle a alguien “Comparte conmigo la belleza de esto”).

Cada entrevistado relata brevemente cuál ha sido el camino personal y formativo que le ha llevado hasta el Metropolitan, conocido como el Met. Un denominador común en todos es el entusiasmo por su trabajo y la dedicación a la institución.

A través del relato de cada uno se nos van revelando interioridades del funcionamiento de este grandísimo museo, que recibe 5 millones de visitantes al año y donde trabajan 2.500 personas. El complejo del Met lo forman 20 edificios contiguos. Por las azoteas se puede caminar de una punta a otra, pero desde el accidente que causó la muerte de un trabajador, ahora sólo puede hacerse excepcionalmente y con ultra-protección. Nos enteramos de que se hacen 3 turnos de limpieza de 20 personas y que en invierno el museo se ensucia especialmente cuando la gente entra desde la nieve. Nos hablan de las protestas de los vecinos por la cantidad de vapor emitido a través de las torres de salida del aire acondicionado y por el ruido de las obras frecuentes en el museo que empiezan a las 6 de la mañana, ahora en atención a los vecinos, a las 8 (y es que no todo es positivo de vivir al lado de un gran equipamiento cultural. Inevitable aquí pensar en las incomodidades para los vecinos de la estrecha calle de Montcada por las colas y los grupos que vienen a visitar nuestro Museu Picasso).

Se habla de cómo han cambiado las estrategias de comunicación: de esperar que los periodistas pregunten por tal o cual exposición a una comunicación proactiva, “incluso agresiva”, dice el director de comunicación, Harold Holzer.

Sabemos del amor y el entusiasmo de los conservadores por su campo específico, ya sean tapices, arte islámico, fotografía, grabados, pintura europea, etc. Muchos comentan en detalle sus obras preferidas, alguno incluso expresa que se le hace difícil creer que le paguen por hacer lo que le gusta. Una conservadora, de 75 años, explica que aún no piensa en retirarse porque está revisando el catálogo de objetos de plata y sólo ha hecho un tercio!

Nos enteramos también de las dificultades para obtener según qué préstamos y cómo lo trabajan.

Sobre el propósito de exponer arte, me ha parecido significativo lo que dice un conservador: “There is no point in having the art on display if it doesn’t provide connections for people or encourage them to learn more about what they are looking at.” (pág.130) (“no tiene sentido tener arte en exposición sino ofrece conexiones (contexto) para la gente o los anima a aprender más sobre lo que están mirando”. Es significativo porque tiempo atrás (y no tan atrás) esta idea era sólo patrimonio de los que nos hemos dedicado a la comunicación o a la educación.

Una lectura amena que no sólo nos acerca a las interioridades del Met sino que nos ofrece el lado humano de las personas que trabajan en él y lo quieren. Y un acierto la fórmula de haber presentado en forma de narración personal las entrevistas, que han sido hechas por el periodista Danny Danziger. Sólo un contrapunto: el libro, a la gente de museos, nos deja un poco con las ganas de conocer más detalles sobre cómo trabajan algunas tareas. Quizá algo menos de detalle de las aficiones personales de los trabajadores y un poco más a fondo sobre cómo se organiza todo lo que hace funcionar un complejo museístico como el Met, dejaría el lector más satisfecho. ¡O sea que nos abre el apetito de saber más!

Muy recomendable, la lectura a fondo de la entrevista a The Arts Newspaper con Thomas Campbell, el actual director del Metropolitan, donde explica las líneas principales de su actuación para los próximos años.

Queda pendiente para otro día la lectura de un libro análogo The Museum: Behind the Scenes at the British Museum, 2007, hecho por la BBC.

Oops, esta reseña ha sido tan larga que la otra la tendré que condensar. Se trata de La Revolución Linkedin, de Juanma Roca. Paidós. Barcelona 2009. 218 pp, que lleva el sugerente subtítulo de “La red profesional del management 2.0 del siglo XXI”. Así como podríamos considerar que Facebook es una red social básicamente personal, Linkedin la podríamos definir como red social profesional. El autor, con una amplia trayectoria periodística y docente, va desentrañando los mecanismos y sutilezas de esta red de conexiones, de crecimiento sostenido. Destaca especialmente la nutrida selección de citas de los mejores expertos internacionales, minuciosamente documentadas.

A modo de ejemplo, de entre la multitud de referencias, recojo dos perlas:

* la reproducción del decálogo de Dan Schwabel, autor de Me 2.0 Build a Powerful Brand, del que incluyo aquí 3 recomendaciones:

-centrarse en el valor social no monetario
-ser un creador o productor de contenido, no sólo un simple consumidor de éste
-tener mentalidad abierta y de generación de una amplia red de conexiones ..

* la referencia al concepto de wikinomia, de Don Tapscott, de la que los 4 principios son:

-la apertura
-la interacción entre iguales
-el uso compartido
-la actuación global

Linkedin, una red muy útil, además de para establecer conexiones, para poder participar en grupos de discusión y contribuir a debates. En el campo de museos, por ejemplo de la multitud de grupos que hay, yo sigo MuseumLink, Museum & Art Galleries, Museums In The Digital Age, Museums and the Web, Museum Design. Es, junto con Twitter, una muy buena manera de estar al día, de recibir y al mismo tiempo aportar, que es, en definitiva, la esencia del 2.0.

Conxa Rodà
Coordinación de Proyectos

¿Y tú, recomendarías algún libro interesante que hayas leído recientemente?

¡Ha llegado el día! ¿Quieres votar tu foto favorita? Tras más de 2 meses desde que salimos a la luz con el concurso Fes-te Fauvista que hemos organizado  a través de nuestro grupo oficial dentro de la comunidad de Flickr, con motivo de la exposición Kees van Dongen, ha llegado la hora de empezar con la votación.

Queremos aprovechar la ocasión para agradeceros vuestra colaboración y participación, ya que la iniciativa ha sido muy bien acogida, ¡hasta el punto de prorrogar una semana más el concurso! Casi 300 fotografías han participado en nuestro primer concurso en Flickr, bajo el lema “Hazte Fauvista”. Se requería principalmente que los colores fueran los protagonistas principales de las instantáneas y, especialmente, que los participantes experimentasen con su imaginación y creatividad, rindiendo un pequeño homenaje al arte fauvista.

Sobre todo, queremos felicitar a todos los participantes por la calidad de las imágenes recibidas, como podréis comprobar vostotros mismos a continuación:

Tampoco queremos olvidarnos de todos los que han participado en la difusión del concurso mediante sus plataformas, como la web agenda urbana (waaau) y la revista digital esrecfotografia. Y queremos hacer una mención especial a la participación de Cinema en curs que ha aportado una muestra representativa del proyecto experimental “Els colors del nostre entorn” donde los alumnos de 14 escuelas e institutos públicos de Cataluña, partiendo de la inspiración de diferentes trabajos fotográficos, entre los que estaba presente Pablo Picasso, realizaban una práctica fotográfica dedicada a la exploración de los colores de sus barrios o pueblos.

Sistema de votación:

Como se mencionaba en las bases, una selección será mostrada en la web del Museu Picasso y los 5 autores o autoras escogidos serán premiados con un Carnet del museo. Y también hemos creado un blog para que todos vosotros, los internautas, dejéis vuestra voz en forma de voto. ¡Podéis votar un máximo de 3 fotografías para decidir quien será el ganador o ganadora por votación popular!

La votación estará abierta hasta el 25 d’octubre incluido. ¡Pásalo!

Redacción del museo

Hemos hablado en muchas ocasiones sobre el actual debate entorno el futuro de los museos.

Interesantísimo en este sentido el debate que protagonizaron los directores del British y de la Tate, Neil MacGregor y Nicholas Serota, este verano. Precisamente ahora que hemos presentado la nueva programación y las nuevas líneas de actuación del Museu Picasso, que empiezan a ser una realidad, queremos contribuir con nuestras propias reflexiones.

El museo como centro productor y espacio de diálogo. En primer lugar, es esencial realizar una autocrítica: hay que abandonar definitivamente la concepción simplista de los museos como contenedores de patrimonio y ofrecer propuestas más heterogéneas y complejas, de acuerdo con la diversidad de públicos existentes en la actualidad. En los últimos años, la sociedad ha evolucionado a un ritmo frenético y, en contrapartida, los museos han cambiado muy poco, ofreciendo aún productos culturales estáticos y demasiado rígidos.

El director del Museu Picasso recibiendo los representantes del Consejo de Administración del MoMA, mayo 2009. Foto: Jordi Mota. A la derecha, la Noche de los Museos, 2009.

El reto del museo de hoy, que tiene grandes coleciones y un programa abierto a los visitantes, consiste en convertirse en un centro que produce. Y éste es el punto de partida, no sólo para el futuro, sino en estos mismos momentos. El museo ha de convertirse en un espacio donde se generen ideas, conocimiento, donde se generen programas y para que esto pase es imprescindible que exista un proyecto: tener claro qué se quiere hacer, porqué se quiere hacer y, sobre todo, hacer las cosas con sentido. Una vez definido el proyecto, hemos de ser capaces de generar y proporcionar puentes con el público generando líneas de investigación, haciendo que los proyectos adopten el formato más apropiado -una exposición, una publicación, un seminario, una actividad.

A la izquierda, Exposición Olvidando a Velázquez Las Meninas. A la derecha, grupo de escolares en el museo.

El museo conectado con el entorno y como centro de influencia. En segundo lugar, es ya una evidencia que el futuro de los museos pasa por la presencia en la Red, estableciendo conexión con el entorno y dejando de ser un emisor plano de contenidos. La concepción de Internet como un lugar que sólo representa el eco de aquello que programamos, generando una visión lateral de todo aquello que sucede en las salas, hace tiempo que se ha terminado, y actualmente es inviable. En Internet, a medida que se va configurando un tejido organizado, los museos podremos aprovechar los recursos para obtener un feed-back y mantenernos así conectados con el entorno, sino, los museos corren el peligro de quedar aislados y de no tener influencia y, consecuentemente, perder legitimidad social. Los usuarios están en las redes sociales, los museos también tenemos que estar presentes con voz propia.

Aún nos encontramos en un momento de máxima efervescencia, donde hace falta determinar qué herramientas e instrumentos seran más rentables para proporcionar conocimiento nuevo al usuario. Son estos recursos los que hemos de aprovechar para generar nuevos espacios de diálogo y para conectar con el entorno los 365 días del año, 24 horas al día, gratuitamente, manteniendo vivo un canal abierto que permita al museo saber si se producen estas experiencias de valor planteadas. Los museos podemos desarrollar proyectos específicos por Internet y algunas de estas herramientas nos llevarán a que sea una práctica habitual debatir, discutir, expresar ideas o acoger proyectos por internet. Por no hablar de la evidencia de que, además, la Red nos brinda la oportunidad de superar la barrera que suponen los espacios físicos en el momento de presentar las colecciones: en el Museu Picasso gestionamos más de 3.000 obras, que por razones de espacio, no podemos exponer conjuntamente. Internet, aprovechando las vías de digitalización actuales de calidad extraordinaria, hace accesible todo este patrimonio online.

La red profesional: los museos conectados. No es ninguna novedad el hecho de que los museos colaboremos para trabajar en proyectos o exposiciones conjuntas. Es indispensable que los museos trabajemos en red, dentro de unos años aquel que no trabaje con otros paralelamente, se mantenga poco activo, perderá su capacidad de influencia como agente cultural.

En plena ebulllición de la red como revolución social y como elemento democratizador, el Museu Picasso no puede desatender la oportunidad: son caminos que se nos están abriendo. Aún existen reticencias cuando en realidad, si lo ignoramos, estaremos caminando en dirección contraria sin proporcionar instrumentos de acceso a una experiencia de valor. A menudo, la dificultad mayor la encontramos de puertas adentro, ya sea por una concepción conservadora o por un tema generacional: el museo del futuro tiene que conseguir un cierto cambio de mentalidad y de organización, porque es una manera de trabajar diferente, más transversal y que obliga mucho más, a nivel de esfuerzo y de transparencia absoluta.

He leído en un blog que a la pregunta sobre qué museos serán relevantes de aquí a 50 años en nuestra vida y en nuestra sociedad, se responde “aquellos que su propósito se extienda desde la colección de objetos o exposiciones en espacios físicos y sepan encontrar las vías para conectar la misión física con una red de significado que cada uno de nosotros tiene y comparte a través de canales que son virtuales, instantáneos y efímeros”. (blog de Rohn Jay Miller, Thinking About the Future of Museums, 27 set’09). Plenamente de acuerdo.

En el Museu Picasso tenemos la firme voluntad de trabajar conectados con el entorno. En las salas del museo como en la Red. Con los más jóvenes y con los de más edad. Con los curiosos y con los expertos. Con los de aquí y con los lejanos. Porque el museo es un bien público y como bien público tiene que poder disfrutarse desde múltiples lugares y formas. Con vuestros comentarios, con vuestras críticas, lo iremos mejorando cada día.

Pepe Serra
Director

¿Qué os gustaría encontrar cuando visitáis el Picasso? ¿Qué servicios o actividades consideráis que un museo debe ofrecer?

El pasado lunes, en una ubicación inmejorable, en la nueva Sala de Las Meninas, se presentó la nueva programación de la temporada 2009/2010 del museo.

Antes de presentar el programa y el calendario de exposicions, el director, Pepe Serra, remarcó dos ideas básicas que orientan las líneas de actuación del museo. En  primer lugar, la idea de complejidad y de heterogeneidad: “hemos de tener en cuenta que los públicos han cambiado y se han diversificado mucho y los museos siguen siendo muy estáticos”, apuntaba Pepe Serra durante la rueda de prensa. La sociedad ha cambiado y los museos tienen que evolucionar en consecuencia. Por este motivo defiende una reflexión crítica para que los programas de los museos sean más complejos y heterogéneos, ofreciendo cosas distintas,  siempre a partir de un proyecto, y que aporten un valor.

En segundo lugar, planteó la necesidad de revisar el concepto de exposición. Las grandes producciones, muy costosas y efímeras, no siempre tienen sentido. Existen distintas opciones para ofrecer una producción de calidad y no siempre la exposición es lo que más sentido tiene, podría ser una publicación, un seminario, etc. El Museu Picasso no quiere ser esclavo de un ritmo determinado de exposiciones, sino realizar áquellas que aportan conocimiento nuevo y que tengan un valor añadido. El nuevo programa pretende repensar a Picasso, proveerlo de un contexto, mirarlo desde el presente, ofrecer nuevas narrativas y vincularse con el concepto de creación. En consecuencia, además de grandes muestras, el programa de exposiciones plantea de manera estable intervenciones temporales de pequeño y medio formato dentro de la propia colección y colaboraciones con artistas vivos como dos primeros pasos a seguir en esta dirección.

De derecha a izquierda, el delegado de Cultura del Ayuntamiento de Barcelona, Jordi Martí, y el director del Museu Picasso, Pepe Serra, realizando la presentación en la sala de Las Meninas. Foto: Europa Press.

Programa de exposiciones

La exposición “Imágenes secretas. Picasso y la estampa erótica japonesa” dará el pistoletazo de salida el 5 de noviembre a la nueva temporada del museo. Se presentará por primera vez gran parte de la colección de estampas japonesas del artista. Sin duda, una aportación inédita dentro del conocimiento picassiano, donde descubriremos un diálogo sorprendente y revelador con la obra grabada de Picasso.

A la izquierda, “Rafael y la Fornarina. XXIII: solos, se abrazan en el suelo”, de Pablo Picasso. Mougins, 8 de septiembre de 1968. © Museu Picasso, Barcelona 2009. Foto: Gasull Fotografia. © Sucesión Pablo Picasso, VEGAP, Madrid 2009.  A la derecha, “Escena erótica”, atribuido a Katsukawa Shuncho. c. 1789-1801. Colección particular.

De mayo a septiembre,“Rusiñol-Picasso”, una exposición de ámbito más local que aportará nuevo conocimiento sobre la relación y las connexiones con uno de los personajes que más le influyeron durante su juventud: Santiago Rusiñol. La muestra se organiza conjuntamente con el Cau Ferrat de Sitges, que presentará íntegramente la colección para esta colección. Partiendo de las tesis desarrolladas por el comisario, Eduard Vallès, en su reciente publicación “Picasso y Rusiñol. El cruce de la modernidad”, se exploran los elementos de influencia entre ambos personajes.

A la izquierda, “El Parque del ‘Moulin de la Galette’/Patio de Montmartre”, de Santiago Rusiñol. París, 1891. Museu Cau Ferrat, Sitges. © Santiago Rusiñol, VEGAP, Barcelona, 2009. A la derecha, “Retrato de Santiago Rusiñol”, de Pablo Picasso. Barcelona, 1899-1900. © Museu Picasso, Barcelona 2009 AHCBAF. © Sucesión Pablo Picasso, VEGAP, Madrid 2009.

Y en octubre llegará a nuestras instalaciones la gran exposición de la temporada que analizará la influencia de Degas en la obra de Pablo Picasso. Una ocasión extraordinaria que demostrará hasta qué punto el artista fue importante para Picasso. Barcelona tendrá el privilegio de ser la única sede en Europa de una muestra que se hará por primera vez y que sólo tendrá lugar en el Clark Art Institute de Massachussetts y en el Museu Picasso. Llegarán a la ciudad obras en préstamo imposibles de conseguir hasta la fecha, un lujo fruto de un trabajo de búsqueda muy sólido.

“Clase de danza”, de Edgar Degas. c. 1880, Clark Art Institute.

Dentro de la red Picasso y Cataluña, en octubre tendremos la oportunidad de ver el primer reportaje fotográfico que Picasso realizó en Horta de Sant Joan, exposición enmarcada dentro del Centenario de la segunda estancia del artista en Horta.

Y, siguiendo con las nuevas líneas de trabajo de vinculación en la creación, el museo acogerá de enero a mayo un proyecto de artista, de la mano de Rodney Graham. Este artista canadiense presentará “Possible Abstractions”, creada especialmente para el museo con motivo de la retrospectiva que se hará en el Macba y que mostrará la serie de cuadros “Picasso, my Master”.

Programas públicos

Dentro, la función educativa y social que el museo desarrolla, destacamos la segunda edición del Posgrado “Repensar Picasso”, que cuenta con los mejores especialistas internacionales con el fin de crear una nueva generación dentro del ámbito del estudio y la investigación; la labor del servicio educativo, en su segundo año de existencia, que ha tenido una magnífica acogida y que este curso amplia la oferta educativa; y, finalmente, las propuestas de actividades dirigidas a un público diversificado.

Antes de cerrar la presentación de esta nueva temporada, Pepe Serra destacó el despliegue del Museu Picasso en la web 2.0, con la inmersión en las redes sociales, que ya ha empezado a generar debate y difusión y que vosotros, lectores del blog, quizá ya conozcáis. Y donde seguiremos trabajando en el futuro.

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Redacción del museo

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